Un aparente “retro” nostálgico en busca del tiempo perdido se torna irónicamente en ácido comentario con una actitud crítica hacia las manipulaciones ominosas dentro de las ideologías. Martha Graham(1894]-[1991), cuya compañía establecida en [Nueva York], ha llegado a ser tal vez la más conocida en danza moderna, enfatizó los principios que conducen a la pasión interior, fundados en el acto de la respiración. Es un estilo que se inicia a finales del siglo XIX y principios del XX, el mundo comenzó a experimentar cambios a nivel social, político y económico. Existe por otra parte, entre ambos casos extremos, una danza intermedia en que la metáfora se construye a mitad de camino entre la abstracción y la mimesis. Una representación teatral en la que no ocurra nada a través de un tiempo y un espacio definido, parecería carecer de eficacia teatral. Los De Oggún y Shangó fueron simplificados para un mejor desenvolvimiento de las complicadas coreografías de giros, saltos, caídas, etc. Dalla danza classica alle Urban Dances (breaking e hip-hop), la danza contemporanea, il teatrodanza, il performing media, pongono il principio del superamento dei generi e delle forme artistiche performative convenzionali. En El canto del ruiseñor, ya Guerra plantea una serie de nuevas ideas desde el punto de vista creativo. El tema del difícil ajuste a una realidad, por diferentes y laberínticos caminos, hasta llegar a una conclusión reflexiva, es evocado en el título del verso de Piñera contenido en uno de sus textos. Era una obra dividida en tres secciones, una interpretada por bailarines negros, la segunda por bailarines blancos y en la tercera se mezclaban ambos grupos en una unión racial, llegándose a plantear así una de las ideas de cubanía que su precursor venía promulgando para la danza de Cuba. Historia Del Ballet Y De La Danza Moderna / The History of Ballet and Modern Dance: Amazon.it: Ana Abab Carles: Libri in altre lingue Este observa cuando entra Oshún con su velo, como atravesando la niebla y desarrolla la danza de las mujeres, mientras va traspasando las “aguas” de una diagonal a otra, presentándose como la diosa de las aguas del río, ya formada coreográficamente en el escenario. La danza contemporánea se caracteriza por tratarse de un tipo de danza a través de la cual se pretende expresar, mediante el cuerpo y los movimientos del bailarín, algún sentimiento, idea o emoción del mismo modo que lo hace el ballet clásico, aunque en este caso se combinan movimientos corporales creados tanto en el siglo XX como en el XXI. Eso, ha dicho, le dio a la obra una textura muy mecánica, muy árida, muy fría, sin perder el código del ballet, quiso marcar así el carácter de ese personaje. Muchas de sus más conocidas obras, como "Primavera en los Apalaches" (1945), fueron producidas en colaboración con distinguidos compositores y artistas de Estados Unidos. Tan pronto el espectador comienza a notar el despliegue de signos escénicos mezclados con la cinética danzaria, es que inicia una labor de búsqueda en cuanto a significaciones. La audiencia ha podido seguir el proceso paso por paso, llevado y traído por la profusión de signos escénicos que han conformado su mensaje poético. Uno de los elementos que conforman la estética de esta primera etapa, es la gran claridad que logró en la exposición de lo que se quería decir, y el establecimiento de una gran comunicación con el público. Bueno, después de aquella discusión que hay entre Medea y los del latigazo, empieza a salir uno por un costado y se simula como si hubiera fuego; esto da el peligro, los bailarines corren por el público, se enciende todo el teatro y claro, yo no pensaba que el público fuera a creer que había un fuego, pero hay un intento de crear una atmósfera de que hay un accidente dentro del escenario. Tres precursosas de la danza moderna de origen norteamericano—Loie Fuller, Isadora Duncan y Ruth St. Denis—cobraron más popularidad en Europa que en Estados Unidos. Todo ello debe estar en consonancia con lo que ha pasado antes y pasará después”. Hai dimenticato la tua password? Editorial Félix Varela, La Habana, 2004. Su promoción cultural fue encaminada a la búsqueda de un público que no existía para esa nueva manera de ver la danza teatral cubana. Esta es la llamada danza de imagen o mimética. En la primera etapa, que se concluye con Suite Yoruba, hay otra obra interesante, que es Rítmicas de Amadeo Roldán, la cual se proyectó como danza abstracta, donde no se utilizó ningún elemento narrativo. La situación actual parece estar dispuesta a dejar desierta las salas de presentaciones de danza contemporánea. El mensaje puede comunicar significados precisos, pero la primera significación siempre se refiere a sí mismo. Aquí es donde la dramaturgia plantea la unidad de la obra en la que “todo es pertinente, y no sobra ni falta nada...” (Durán). Doris Humphrey ha dicho al respecto: “No importa cuál sea el tema, la primera prueba a que debe someterse estriba en una sola palabra: acción. Concreción es sinónimo de buen ritmo interior en una coreografía, dice Durán, y ello “depende mucho de la oportunidad en que se presenten cambios, variaciones, pausas, disolvencias, clímax”. Suite Yoruba fue la obra más sólida, que quedó de ese primer repertorio; obra que creció mucho en su histórica vida. En esta etapa la mayoría de los trajes diseñados en sus inicios por Julio Mantilla, fueron totalmente cambiados. Este sistema matemático, producto de los estudios rítmicos que realizó Ramiro, pasó al sistema técnico de la danza moderna cubana. El recorrido por los caminos dramatúrgicos de la Bausch ilustra de forma coherente que la dramaturgia como hilo conductor de la obra coreográfica, no es un limitado sendero con letreros de “peligro” a ambos lados del camino, sino más bien una confortable y bastante manejable dirección para el discurso de la danza, ya que evita la dispersión y el caos al apretar las compuertas de motivación de la obra. Durante este período Ramiro tenía una dependencia musical muy estricta que iba en su contra, obras que basaba en los diseños musicales, aunque todavía sin un trabajo de conteo, ya que hasta ese momento lo rechazaba porque sentía que lo limitaba, además de la poca experiencia que aún tenía con el trabajo de la música. Al igual que otro fenómeno cultural de la época , era una rebelión contra las ideas y los supuestos tradicionales . La dramaturgia implica un control del decir coreográfico en que se establece una serie de acontecimientos escénicos danzarios, con algún tipo de organización que va desde un inicio hasta un final en que se plasma una transformación de diversas acciones distribuidas en secciones bien clarificadas que caracterizan núcleos capaces de desarrollar oposiciones que generan un transcurrir dialéctico dentro de la pieza coreográfica. Ese premeditado desbalance crea una oposición a la lógica de la recepción, al hacer funcionar un tipo de interés distanciado en que lo imprevisto (el chance, lo casual) ocupa una importancia vital. Regresó a Estados Unidos y fundó, junto a su esposo y bailarín Ted Shawn, la Denishawn School of Dancing and Related Arts, en Los Angeles, California. 18cm. Otro avatar negativo ocurre cuando el coreógrafo se deja seducir por la personalidad del bailarín, ya sea por su carisma técnico o por la belleza física de los cuerpos. Metáforas escénicas aluden a hechos, acciones y acontecimientos vivos en el inconsciente colectivo. Como los demás vestuarios el traje de Yemayá fue elaborado mucho más señorial y con mayor presencia escénica, por Eduardo Arrocha, quien pasa a ser en lo adelante el diseñador de la danza moderna cubana. Después aparecen las escenas completas de cada uno de esos cuatro grandes temas, que se habían presentado ya dos veces, en el lobby y en el espacio del teatro. En la danza sin imagen, desde aquella del más primitivo chamán hasta el teatral Pas de quatre, prima la acción cinética sin pretensión de exponer significado alguno, más allá del movimiento puro. Las doce escenas de la obra no tenían relación una con otra, aparentemente, y además la música era de una gran libertad; utilizaba muchos textos hablados, otros semicantados, otros cantados, música en vivo, con música grabada y combinación de una y otra. Como concepto espectacular la Suite yoruba permitió un continuo desarrollo en su madurez como obra y a él como creador. Esta nueva forma de danza ayudó a establecer los primeros fundamentos de la danza moderna. El tema era precisamente su método de trabajo, la obra revelaba el proceso de labor de los ensayos. Los coreógrafos más jóvenes se mantuvieron en busca de nuevos movimientos y métodos novedosos. Este último se constituye a través de “un sistema de instituciones convencionalizadas”: en el caso del mensaje literario es la lengua de un idioma cualquiera; en las artes plásticas será la conjunción de formas (líneas, colores) que expresan una imagen icónica; los sonidos organizados en un lenguaje sonoro constituirán el código musical. Momento que volvía a aparecer por los pasillos del teatro dentro del público, con los mismos bailarines el motivo aquel del lobby. Es decir, en Medea según explica el propio Ramiro, logra la fusión de estilos en uno solo, donde llegó a una narratividad mucho más abierta, más amplia, alejándose de aquella literalidad inicial en su obra. Dicho “mensaje poético” posee, igual que cualquier otro emanado de la red universal de las comunicaciones, cuatro factores fundamentales: el autor, el receptor, el tema y el código en que se enuncia. son estímulos a lecturas personales de reflexión ante misteriosas metáforas que evocan las etapas de lucha que ocurren en la naturaleza, idea temática que se presenta, desarrolla, y logra su clímax a través de la obra y la concreción de su dramaturgia. Él ha explicado que el texto fue usado antifonalmente, donde una solista dice el texto, respondido por un coro femenino y otro masculino, indistintamente. Allí me tropecé con las estatuillas de Tanagra y los versos helénicos al tener que afrontar mi personaje Creonte. El mundo interno y externo, el pasado y el presente se encuentran para ser experimentados como una sola cosa. Estas propuestas que aluden a un abstraccionismo danzario, no parecen estar comprometidas con el concepto de mensaje poético, pero tampoco renuncian a ciertos juegos metafóricos que puedan evocar ideas temáticas, bien con humorismo, como lo hace Cunningham respecto al arcaísmo mítico en Antic Meet, o Nikolais, cuando evoca espacios de ciencia ficción con danzantes fantasmagóricos fundidos dentro de móviles escénicos de tal simetría, que parecen obedecer a estímulos lúdicos competitivos entre las parejas. La danza libre en la historia de la danza moderna se distingue por ser una expresión rebelde y completamente innovadora. El término dramaturgia viene del arte dramático y define la técnica de organización interna de una obra teatral, al tratar de establecer reglas o normas, principios y aun leyes, que deben regir la confección de un texto. Según el propio Ramiro Guerra, es él quien incorpora en Cuba el sistema de los elencos en sus figuras y en el cuerpo de baile, esto lo hizo por razones de índole artística y estratégica dentro del funcionamiento de la Compañía. Con esta nueva idea comienza a elaborar un sistema a partir de sus estudios y traducciones, respecto a todos los cambios que estaban ocurriendo en el mundo de la danza en los años sesenta, las innovaciones de los espacios, las nuevas motivaciones, la ruptura con los personajes, y con la narratividad escénica, el uso de elementos del llamado teatro total, las nuevas tendencias teatrales, su profundo sentido teatral, el uso de objetos, la sorpresa a través, ya no solamente de sacar la obra producto de la improvisación, siempre presente en él, sino de secciones de improvisaciones que debían ocurrir en el momento escénico. La danza moderna no sería lo que es hoy sin su existencia. Al regreso de la gira por Europa, Ramiro Guerra manifiesta que él se propuso realizar una nueva obra con otros ingredientes fuera de sus anteriores temáticas; aunque lo único que tenía en su poder, era la idea de realizar una obra en la cual el conflicto fuera una contraposición entre el grupo masculino y el grupo femenino. Como no tenía esas placas, utilizó la plaqueta del baile de Babalú Ayé, resultando un elemento sonoro muy interesante. Las imágenes abstractas que construye Nikolais en sus danzas surgen caleidoscópicamente bastándose a sí mismas; instauran una aventura escénica ajena a la emotividad, pero rica en impacto plástico visual, y en atmósferas con fuerte misterio escénico, bien penetradas por las antiguas raíces mágicas de la danza sin imagen. El desarrollo plantea una transformación o polaridad de la situación inicial, que a través de los aconteceres ocurridos en sus diez secciones van a revertir una realidad en otra bien distinta. La obra no pretende tener mensajes o dar respuesta a conflictos, sin embargo, el sistema dramatúrgico presenta claramente un conflicto ideológico, o choque de ideas que ha tenido peligrosas consecuencias en nuestro medio. A partir de este momento la coreografía contemporánea cubana incorpora otro aspecto novedoso, como es el trabajo de las inmovilizaciones y movimientos, que se da cuando unos se mueven, otros permanecen inmóviles y viceversa. La metáfora aparece en la evolución del hombre, desde las más oscuras luchas de sus genes hasta la luz del homo erectus, del hombre pensante; la metonimia con la imitación de conflictos animales hasta arribar a metas superiores; y el sinécdoque, con la imagen de que la evolución del ser humano (la parte) muestra la evolución del universo (el todo) en su crecimiento. Él fue mi primer maestro, y quien me enseñó los caminos que he andado, estoy andando y andaré. Decidió mudarse a París, donde siguió creando danzas hasta su muerte. La Danza a través del Tiempo. Esto le permitió desarrollar la experiencia de adaptar los personajes a cada nuevo interprete; concepción que trasladó a las subsiguientes generaciones que lo han absorbido como principios estratégicos dramatúrgicos de la danza moderna cubana. El carácter biográfico de la obra transforma metafórica o metonímicamente las imágenes teatrales en contendientes que denotan fuerzas en franco enfrentamiento, conflictos y consecuentes acciones contradictorias, aunque la obra en sí no tenga personajes con roles propiamente dichos. La eliminación de lo innecesario para tomar el control del discurso coreográfico exige no dejar nada por aquí o por allá, que puedan constituirse en toques decorativos sin significación para el mensaje poético. Seguir el mapa de esas constelaciones puede ser una buena guía para comprender y poner en práctica la dramaturgia danzaria, aspecto de peso en el complejo universo de la obra coreográfica, y que es capaz de explicar muchos fenómenos no visibles a simple vista, pero que de no ser tenidos en cuenta pueden atentar contra la comunicación y la capacidad perceptiva del espectador. Siempre tenemos que tener presente que el arte de la danza es único en cuanto a su medio, que es el movimiento”. Un buen ejemplo de logro en esa dramaturgia física de acción danzaria no dependiente de significaciones temáticas objetivas lo hallamos en las coreografías de William Forsythe, quien desarrolla una violencia de oposiciones, entre las figuras danzantes sin recurrir a acciones emocionales de ningún tipo. En otra de sus obras: 1980 los fundamentos basados en experiencias auténticas parecían haber llegado con el tiempo a un clímax exhaustivo, y el desarrollo de una sustancia contextual parecía haber arribado a un punto muerto. adaptó los basamentos de la pedagogía de la danza moderna; concibió y diseñó el hecho coreográfico, como un sistema de subsistemas. ¿Cuál es la diferencia entre la danza moderna y la danza contemporánea? Por otra parte, en su discurso había mucha literalidad en cuanto a la narrativa y eso le ocasionaba, como él llama, “una textura danzaria” pobre, era una época en que como creador estaba más preocupado por los personajes y por expresar los conflictos, esto lo limitaba en su expansión tanto en el movimiento, como en sus “texturas danzarias” de sus obras. Servos sigue refiriéndose a la dramaturgia de Bausch como poseedora de una lógica que no se adhiere a las leyes de la causalidad, sino más bien a las de la analogía, pues según ella, la lógica de las emociones y los afectos no depende de la razón. Doris Humphrey (1895]-[1958) para su inspiración atisbó al exterior, hacia la sociedad y los conflictos humanos. Pero es en el espacio real de la danza de imagen y en el simbólico-alegórico que la dramaturgia establece su fuerza como organizadora de la percepción, cuando las escrituras coreográficas escénicas deben ser descifradas o descodificadas. Desde el inicio planteé con dignidad absoluta todos los matices de en la escena, eso hizo que el público se sintiera reflejado en cada danza. Aquí desaparecen los bailarines y Shangó queda solo en penumbra. Por la importancia histórica dentro del estudio de la dramaturgia de la danza moderna cubana, el propio Ramiro Guerra expondrá con profundo análisis el proceso de consecución de estas dos obras: «En esta oportunidad tuve la manera de soltar a los bailarines en el escenario de una forma como nunca lo había hecho, utilizando todo el espacio escénico y del teatro en su totalidad, dando tareas coreográficas a cada uno de ellos que después yo iba armando, y haciendo un final muy abierto en que el mismo público también tomaba parte, en la forma de terminar. Toda la obra de Pina Bausch se mueve reiteradamente dentro de un reducido número de temáticas relacionadas las unas con las otras. Conocedor de las diferentes técnicas danzarias, propuso un trabajo con la técnica clásica, pero con su concepción coreográfica de danza moderna, lo cual hizo que ese colectivo le propiciara un trabajo de sumo interés para él. La dramaturgia expande esa idea, la hace evolucionar a través del largo camino de la pieza para arribar a una conclusión de fuerte repercusión comunicativa. Añado que uno de los secretos de una buena dramaturgia es la posesión de un buen tema en primer lugar; saberlo manipular, es otro; y el tercero es ejercer la capacidad de comunicación con el espectador a través del lenguaje danzario. Así, la metáfora o alegoría traslada el contenido de una idea a otra por medio de un proceso comparativo (la luz de la ciencia, la flor de la edad). La danza libre ocupa un lugar especial en la historia de la danza moderna. para eso eran necesarios ciertos procedimientos técnicos; los bailarines tenían que bailar en la escena con las músicas originales porque su coreografía estaba montada con eso, y sin embargo el público recibía otra música. Aperturas hacia nuevos usos del cuerpo han expandido el lenguaje danzario que, sin rechazar todo lo aportado por el academicismo, las técnicas de la danza contemporánea y el folclor universal y el popular que se crea día a día por la cultura de masas, han ensanchado la recepción danzaria en la mezcla de las más inopinadas tendencias del movimiento danzario en la actualidad. Los aportes de las artes marciales orientales (Aikido y Tai-chi-chuan), la Ideokinesis, la Contact improvisation de Steve Paxton y tantas otras maneras de afrontar el movimiento se han fundido en una mezcla, a veces quizás indiscriminada al extremo, pero de todas maneras enriquecedoras del lenguaje danzario universal del nuevo milenio. El conflicto se materializa en dos núcleos contendientes; por un lado, el de un quehacer artístico mostrado por fragmentos de obras que se enlazan en la pieza, y por otro, un pelotón de minusválidos, imágenes simbólicas de la depredación cultural que primó en la década de los 70. Consecuente con su principio de constante renovación, años más tarde plantea su nueva obra De la memoria fragmentada, ya dentro de los principios de la llamada danza-teatro, con un enfoque fuertemente teatral, con mucha exactitud de su parte. De Aristóteles a Brecht, pasando por Corneille y Lope de Vega, muchos autores dramáticos han tratado de definir las normas por las cuales es posible plasmar una idea teatral a través de un texto literario. Creo que en eso residió gran parte de la aceptación del público. No puede olvidarse que la narración teatral tuvo su origen en la primitiva danza ritual de imagen, que después se hizo espectacular. La transformación es el motor o energía interna de la obra que cambia, altera, subvierte o lucha por convertirse en algo diferente a otra cosa (El pez de la torre nada en el asfalto). Primero, fue una coreografía con un estilo de ruptura total con su obra anterior, con lo cual pudo desarrollar un humor reflexivo en su máxima potencia, temática que él se cuestionaba, pero no había encontrado su repercusión escénica. Un territorio en que surgen imágenes con una retórica expresiva afín a una poética que, aunque comprometida con la realidad, está lo suficientemente distanciada como para poder tomarse licencias de mayor libertad intelectual. Una cuidada dramaturgia es importante que rija, sobre todo en la estructura abierta, so pena de que se pierda el camino de la idea temática. El término danza moderna encierra una variedad de estilos, lenguajes y tendencias individuales que desde sus comienzos, a principios de siglo, ha sufrido una multitud de cambios y rupturas. ¿Cómo llegan esos juegos retóricos a concretar imágenes ante la percepción del espectador? La danza moderna surge como una reacción a las formas del Ballet clásico y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Historia de la Danza Auctóctona. Esta fue una obra que me llevó a una tremenda expansión de todos los sistemas escénicos que hasta ahora había manejado. La escena, recrea el baño de Oshún al quitarse el paño brumoso, en un cuadro de exquisita sensualidad con sus collares y manillas de oro, que culmina en el baile de coronación con los hombres. Es una medicina verde que debe descubrirla el creador coreográfico, a costa de la investigación y exploración de sí mismo y del mundo que lo rodea. A principios del siglo XX, Ruth St. Denis empezó a crear danzas inspiradas en culturas y mitologías orientales. Este último la protege además ante la dispersión de signos que puedan atentar contra una descodificación por parte del espectador. La temática es una ideación central que puede tener otras aledañas, pero que prima y establece nexos de supremacía sobre las otras. Según ella, la obra artística se expresa por medio de lo que Umberto Eco ha denominado “mensaje poético”, que no es más que la concreción emanada de un sistema de sistemas, alguno de los cuales hacen referencia a las relaciones formales internas de la obra, mientras que otros se refieren a las relaciones de la misma con los que la disfrutan, y aun otros, tienen que ver con sus relaciones entre el contexto cultural en el que se originan y la misma obra. El elemento sorpresa funciona, por ejemplo, cuando los personajes descubren debajo de sus raídos ropajes, el tul y las lentejuelas, o encuentran las guaracheras dentro de sus maletas de exilio. 3 historia del ballet y la danza moderna Ana Abad Carlés Alianza Editorial (2012 Segunda edición). El tema, además, puede proveer de importantes ingredientes, tales como atmósfera, caracteres, sorpresa y suspenso (El pez de la torre nada en el asfalto). Esta etapa le permite además, seguir desarrollando sus obras a la par del desarrollo artístico de sus bailarines. Íntimamente ligada al desarrollo de la música moderna estaba una nueva forma de arte, la danza moderna, que surgió en los primeros años de este siglo. Es necesario comprender estas tres categorías para poder reflexionar sobre la comunicación entre la danza y su público, como material de expresivo lenguaje. Duncan se inspiró en el arte clásico griego, danzas tradicionales, bailes sociales y en la naturaleza para crear una nueva forma de baile. Por ejemplo, yo cambio la música de unas obras con las de otras, es decir, lo mismo que la memoria confunde tanto, que tiene tantas transposiciones de unos recuerdos con otros, yo utilizo música de una dentro de las otras, y ¡claro! Esto daba ocasión para que el movimiento tomara unas características ajenas a todo el desarrollo que yo había tenido dentro de mis etapas anteriores, en que estaba ligado a códigos conocidos basados en mis estudios, códigos que después construí, y ahora, en esta tercera etapa estaba, digamos, des construyéndolos, o sea, desbaratándolos para buscar algunos nuevos, o mantenerme en una línea muy ecléctica de empleo de muchos códigos establecidos, de otros más abiertos, y con las posibilidades de siempre mantener un ámbito abierto hacia la improvisación y aleatorismo danzario».[3]. En 1891 Fuller se hizo famosa en Estados Unidos con su danza “Serpentine Dance”. Esos temas se presentaron como leitmotiv durante toda la obra, y al final se repiten en diseños diagonales donde salen unos en contraposición a los otros, y se intercambian los personajes con sus movimientos, formándose en sus apariciones una gran confusión y un caos general; al final están confundidos todos y van subiendo de ese grupo amorfo. Danza moderna La danza moderna surge como una reacción a las formas del Ballet clásico y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. A principios del siglo XX, esta danza revolucionaria rompió con todas las reglas de baile que se habían establecido hasta entonces en la cultura occidental. Al final, una fila en fuerte línea de cuerpos desnudos, también desde el proscenio, avanza hacia el fondo del escenario mientras se cierra el telón. Este proceso de incorporación de elementos dramatúrgicos continuó con la realización del documental Historia de un ballet, realizado en 1962 por José Massip, el cual narra el proceso de investigación y realización, así como el sistema fabulario de esta obra. Los sistemas sonoros también eran muy complejos, los mismos que la textura danzaría estaban muy basados en improvisaciones, que además dependían de la arquitectura del edificio. Los acontecimientos implican acciones que generalmente se concretan a través de núcleos de conflicto capaces de desatar contradicciones, luchas de opuestos y consiguientes oposiciones que generen una dialéctica dentro de la pieza coreográfica (Pina Bausch). Puede además decirse, que incluso la danza sin imagen o abstracta --siempre que se lleve a un nivel teatral--, estará aparejada de otros signos escénicos que le permitan acercarse a una concepción espectacular. En la actualidad muchas de ellas se han hecho obsoletas porque la puesta en escena ha adquirido una primacía, capaz de absorber la total emisión del mensaje poético dramático, incluso hasta de irse “por arriba” del texto, y en ocasiones anularlo, si lo vemos desde una perspectiva tradicional. De todas esas ideas resultó el Decálogo del Apocalipsis y en Impromptu galante comenzó a experimentar con todo lo que quería llegar a lograr por completo en el Decálogo. Antídoto contra la contaminación de lo críptico puede ser “un proceso de pensamiento estético no analítico basado en unidad, claridad, contraste, conflicto y coherencia. En Metamorfosis, los dos personajes, uno en oposición al otro, sumergidos dentro del barril, crean inmediatamente un estado de interrogación que se mantendrá a lo largo de la obra, y que tendrá una solución final en la fuerte imagen escénica de la procesión que marca el trayecto de animal a hombre, rematado por el grito de triunfo que cierra la pieza. En la sección dramática del emperador, en que la música es bastante larga, utilizó un metrónomo, y esa sección del ballet se efectuaba sobre ese tiempo, no sobre la música, a la vez que esta envolvía todo aquello en una atmósfera muy densa, muy trágica, muy misteriosa, que le dio un especial carácter. Todos los bailarines se mostraron como equilibristas que transitan sobre un cable tensado en el aire, la pieza devino un tipo de exorcismo contra el proceso de agotamiento.