Era una obra dividida en tres secciones, una interpretada por bailarines negros, la segunda por bailarines blancos y en la tercera se mezclaban ambos grupos en una unión racial, llegándose a plantear así una de las ideas de cubanía que su precursor venía promulgando para la danza de Cuba. La danza contemporanea prosegue la rivoluzione attuata dalla danza moderna a favore di nuove espressioni corporee, che, talvolta, comprendono anche la recitazione di testi. Sin embargo, la danza-teatro --traumatizada de cierta manera por el rechazo a la narratividad, que el mundo de la danza ha experimentado en las últimas décadas-- se ha visto obligada a la renuncia del elemento de coherencia, poseedor de tanta fuerza aglutinadora. El conflicto ejerce metonímicamente una fuerza de oposición a las imágenes fragmentarias que aparecen a lo largo de la pieza. Este proceso lleva a la captación de lo que Pavis llama producción de sentido. Seguir el mapa de esas constelaciones puede ser una buena guía para comprender y poner en práctica la dramaturgia danzaria, aspecto de peso en el complejo universo de la obra coreográfica, y que es capaz de explicar muchos fenómenos no visibles a simple vista, pero que de no ser tenidos en cuenta pueden atentar contra la comunicación y la capacidad perceptiva del espectador. descubrí que el humor escénico tenia que estar muy basado en el aporte propio del intérprete, es decir, no podía yo imponer el humor, sino dejar que se desarrollara en las improvisaciones que me ofrecieran los bailarines con respecto a una temática que se fue armando, digamos a la contraposición masculina y femenina, que la llevé a la sátira criolla machismo-hembrismo. Íntimamente ligada al desarrollo de la música moderna estaba una nueva forma de arte, la danza moderna, que surgió en los primeros años de este siglo. La obra no pretende tener mensajes o dar respuesta a conflictos, sin embargo, el sistema dramatúrgico presenta claramente un conflicto ideológico, o choque de ideas que ha tenido peligrosas consecuencias en nuestro medio. Estas escenas estaban tan excesivamente separadas unas de otras que, incluso, había un telón de tela de yute con la decoración propia de la ornamentación yoruba, que se cerraba y se abría para presentar a cada deidad.´. Concreción es sinónimo de buen ritmo interior en una coreografía, dice Durán, y ello “depende mucho de la oportunidad en que se presenten cambios, variaciones, pausas, disolvencias, clímax”. Desde el inicio planteé con dignidad absoluta todos los matices de en la escena, eso hizo que el público se sintiera reflejado en cada danza. Es una medicina verde que debe descubrirla el creador coreográfico, a costa de la investigación y exploración de sí mismo y del mundo que lo rodea. En Medea, en su exposición presenta este personaje central con tres características diferentes: Medea madre, Medea amante y Medea vengadora, es decir, tres concepciones dramatúrgicas para tres intérpretes de un mismo personaje, durante el desarrollo de la obra. El magnetismo escénico caerá en el vacío, y la obra habrá dejado de producir corrientes de emisión. La deshumanización de los cuerpos danzantes entra en otra dimensión en que las acciones teatrales forman nuevas perspectivas dramatúrgicas bien diferenciadas de las de la danza de imagen. El ritmo o dinámica general de la obra pasa de lo violento a lo humorístico, de lo irónico a lo sarcástico. En el proceso histórico de retroalimentación artística, que ha aportado la danza moderna cubana, a la historia de la danza universal, se observa el influjo y legado artístico, cultural e intelectual de su precursor Ramiro Guerra. Muchas de sus más conocidas obras, como "Primavera en los Apalaches" (1945), fueron producidas en colaboración con distinguidos compositores y artistas de Estados Unidos. Resulta claro que la danza abstracta es un objeto de disfrute en sí mismo por parte del receptor, sin que este tenga que ejercer proceso alguno de interpretación sobre lo que percibe, pues el impacto cinético se comunica directamente a nivel de la sensorialidad entre el bailarín y su público. 3 historia del ballet y la danza moderna Ana Abad Carlés Alianza Editorial (2012 Segunda edición). Es partir de ahí que se crea una atmósfera de suspenso y de que algo está ocurriendo con ese sonido de una alarma, que además resulta pesante, porque duró un minuto y cincuenta segundos (estudiado por el reloj), para crear una atmósfera de tensión en el público. Desde allí establecen la imagen de figuras sentadas al borde del malecón habanero, incorporan a sus cuerpos acciones miméticas del fluir del mar. Oggún con su machete en la mano y las mujeres con sus hojas conformadoras del bosque, le dan la entrada a Shangó, para el primer encuentro entre estas dos deidades guerreras. Aquí es donde Ramiro incorpora el realentamiento o cámara lenta, que luego oponía con irrupciones de momentos muy rápidos, con dinámicas muy intensas, dentro de los mismos movimientos y desplazamientos espaciales. A diferencia de Duncan y Fuller, St. Denis no se quedó en Europa. Con Medea Ramiro continúa su vocación de tomar los mitos de la cultura universal para proyectar la cultura nacional y retomarla para hablar de la cultura universal, a través de ese fuerte contraste de la historia antigua, plasmado magistralmente en el prólogo y el epílogo, donde se presentan a los personajes, la tragedia de la obra, y su destino final, en un ambiente coreográfico con el estilo escultórico arcaico de danza, y la magistral utilización de los coros al estilo del teatro griego, trabajados musicalmente por Dolores Torres. Existe por otra parte, entre ambos casos extremos, una danza intermedia en que la metáfora se construye a mitad de camino entre la abstracción y la mimesis. Sobre ese manto sonoro, utiliza aditamentos en vivo a la usanza del Kabuki, que utiliza unas placas de madera para dar clímax o inmovilidades, o para momentos importantes. Si el receptor no encontrara suficientes pistas sígnicas como para abrirse paso hacia posibles significaciones, es muy probable que se sienta inhábil y caiga en un estado de frustración, que lo conduce al aburrimiento, pues la relación emisión­-recepción se verá interrumpida por el ensordecedor ruido de la incomunicación. Sus presentaciones adquireron popularidad rápidamente en Estados Unidos y luego en Europa. Por lo tanto, el hecho de no constituirse en sistema semántico preciso, no anula la validez de una determinada forma artística, como la música (en general) o la música serial o la pintura abstracta (y naturalmente no figurativa). Esta aparición sucede en una dinámica excesivamente realentada, para perderse dentro de ese humo del escenario, y dar comienzo a la obra, con proyecciones cinematográficas donde aparece la batalla de Oggún y Shangó en una pantalla de 35 mm, sucesivamente va apareciendo otra al lado de 16 mm, y más tarde aparece un televisor; formándose un contrapunteo entre las tres imágenes con las misma escena de la batalla, hasta que termina en canon, igual que como comenzó: la de 35 mm, después la de 16 mm y por último el televisor; esto dio como resultado una atmósfera sorpresiva y de mucho contraste dentro de la obra. - La zapatilla de punta fue descartada y el pie descalzo estableció contacto con la tierra. Así por ejemplo, tenía tres Oshún, con características completamente diferentes entre unas y otras dentro del personaje. Después aparecen las escenas completas de cada uno de esos cuatro grandes temas, que se habían presentado ya dos veces, en el lobby y en el espacio del teatro. Es decir, en Medea según explica el propio Ramiro, logra la fusión de estilos en uno solo, donde llegó a una narratividad mucho más abierta, más amplia, alejándose de aquella literalidad inicial en su obra. Eco continúa exponiendo su teoría de la obra abierta de esta forma: Es necesario tener en cuenta que si la literatura, la música y las artes plásticas han sido incluidas en el proceso significativo de la “obra abierta”, la danza por su parte, ha sido ignorada. Origen e historia de la danza moderna La danza moderna, que se inició como una reacción contra el ballet clásico, se define quizás, con mas facilidad, por lo que no es que por lo que es. Una pincelada de postmodernismo le permite en la escena del falso ruiseñor hacer algo terrible, muy macabro. A: el prólogo, donde se utiliza como dije anteriormente el estilo arcaico de la danza antigua, con la intención vocal del coro griego; durante la obra aparecen las demás secciones B, C, D, E, F, y Aa, donde se produce el desenlace, con las lamentaciones del coro. En espacios horizontales dados del edificio, pero en lugares altos, los bailarines debían trasladarse a otros espacios más bajos, inclusive llegando hasta el suelo, en formas muy insólitas y además muy peligrosas. El término dramaturgia viene del arte dramático y define la técnica de organización interna de una obra teatral, al tratar de establecer reglas o normas, principios y aun leyes, que deben regir la confección de un texto. Eso creaba un estado de aleatorismo dentro de la obra, que me situaba en una nueva etapa que me debía llevar al Decálogo del Apocalipsis. Entiéndase por dramaturgia la vinculación interna que se establece entre todos los sistemas de la obra coreográfica, constituyéndose en una guía capaz de empujarla en una dirección inequívoca, que la proteja contra el marasmo de la confusión perceptiva por medio del imán temático. Así lo hace el inglés Matthew Bourne, en quien el amor entre el cisne femenino y el príncipe se convierte en una situación de alter ego entre Albretch y la imagen de su otro yo percibido idealmente en sus sueños de niñez, como huida de la dependencia materna y su enfermizo amor por la autoritaria madre. En sus inicios fueron cuatro escenas, con cuatro divinidades del panteón yoruba: Yemayá, Shangó, Oshún y Oggún. La evasión, el escapismo, la lamentación, la frivolidad física y moral, y otras circunstancias de sus crudas experiencias, los transformarán de seres vacuos en busca de pitanza, en reflexivos entes buscadores de una verdad más sólida que la de las cosas consumibles. George Balanchine en Agon prepara entradas y salidas escénicas, encuentros y desencuentros de parejas, de grupos y solistas, que se adentran en las difíciles sonoridades del serialismo musical. En su concepción dramatúrgica Ramiro ha tenido en cuenta al público a quien va dirigida su obra, por tal razón hizo todo un trabajo educativo como promotor cultural, en instituciones de grandes concentraciones de trabajadores, estudiantes, soldados, en escuelas, unidades militares, la radio, y la televisión. Esta fue una obra que me llevó a una tremenda expansión de todos los sistemas escénicos que hasta ahora había manejado. Al rechazar las técnicas del ballet clásico, sus innovadoras buscaban expresar los más elementales e inmediatos sentimientos humanos en prácticas adecuadas a la época moderna. HISTORIA DE LA DANZA MODERNA. Desde luego que existen escollos que pueden abiertamente atentar contra la dramaturgia danzaria: suelen ser el entusiasmo del creador por imágenes aisladas del tema, que pueden fascinar dentro del quehacer coreográfico, pero que pueden convertirse en islotes sin rada, creadores de huecos oscuros que luego será necesario rellenar a toda costa, o lo peor, quedarse como objetos a la deriva. Empezó a bailar descalza vestida con túnicas y el cabello suelto. El estudio de la teoría de la danza permite desde el punto de vista de la Antropología, ordenar y especificar los elementos enraízales que han definido el rumbo artístico y cultural de la danza moderna cubana dentro del pensamiento ético, estético, ideológico y cultural de la segunda mitad del siglo xx y comienzos del xxi de la cultura cubana. Reclamaron la danza como una expresión artistica del creador y demostraron que la danza no tenía que limitarse a los confines de reglas estrictas. Aquí el coro masculino es acompañado por una especie de instrumentos antiguos, donde se logra una concreción de la danza con las voces y los complicados ritmos de estos instrumentos, recreando los frisos antiguos, donde se van a presentar los personajes de la obra. Esta nueva forma de danza ayudó a establecer los primeros fundamentos de la danza moderna. Un territorio en que surgen imágenes con una retórica expresiva afín a una poética que, aunque comprometida con la realidad, está lo suficientemente distanciada como para poder tomarse licencias de mayor libertad intelectual. Claridad, precisión y exactitud de imágenes concatenadamente expuestas a lo largo de la obra permitirán que el espectador siga las incidencias, sin necesidad de caer por parte del creador en pedestres literalidades. Es aquí, en ese principio, donde pone en práctica su concepto de que, una obra en el estreno nace, y a partir de ahí es que el coreógrafo la comienza a trabajar, la hace crecer, la educa como se educa a un niño, como se hace crecer y se cuida a un niño para que sea un ser hermoso en la vida. Los De Oggún y Shangó fueron simplificados para un mejor desenvolvimiento de las complicadas coreografías de giros, saltos, caídas, etc. El tema, además, puede proveer de importantes ingredientes, tales como atmósfera, caracteres, sorpresa y suspenso (El pez de la torre nada en el asfalto). La producción de sentido busca poner en evidencia subterráneamente las oposiciones dialécticas dentro de las ideologías culturales y sus frecuentes y nefastos efectos. El leit-motiv puede ser una luz verde que incite a transitar por senderos desconocidos y preservar contra los abismos del vacío o la dispersión. Esto le permite realizar entre el final de Yemayá y la presentación de Shangó, con la famosa rumbita de Yemayá, la danza donde ella lo cría y lo amamanta, inmediatamente ella desaparece y queda la atmósfera general de la segunda escena, que es el cuadro de Shangó, donde él permanece encima de los bailarines en una especie de tótem que remeda coreográficamente al mítico caballo de Shangó. Esto nos obliga a tres fines diferentes, y que nunca sabíamos en el momento del final cuál era el que el público iba a escoger porque se establecía por medio de una suerte, de unos cartones que una bailarina entregaba al público. El escenario, los pasillos, y el lunetario, los usó como un solo espacio. Es necesario comprender estas tres categorías para poder reflexionar sobre la comunicación entre la danza y su público, como material de expresivo lenguaje. En estos casos, la recepción no se siente estimulada por conflictos que producen acción, y sólo puede responder a la curiosidad de aquello que puede ocurrir en la escena determinado por lo imprevisto. Un aparente “retro” nostálgico en busca del tiempo perdido se torna irónicamente en ácido comentario con una actitud crítica hacia las manipulaciones ominosas dentro de las ideologías. Al rechazar las técnicas del ballet clásico, sus innovadoras buscaban expresar los más elementales e inmediatos sentimientos humanos en prácticas adecuadas a la época moderna. 4 técnicas de danza moderna fundamentales, 4 bailarines famosos de Hollywood de los años 30 y 40, Los bailes cubanos más populares en el mundo. A ello se puede agregar un mayor interés por el proceso de creación que por los resultados, producto de la filosofía del conceptualismo, expandido en el pensamiento de la cultura actual. Así, la metáfora o alegoría traslada el contenido de una idea a otra por medio de un proceso comparativo (la luz de la ciencia, la flor de la edad). Ejemplo de la dramaturgia en la concepción técnica de Ramiro Guerra. Doris Humphrey (1895]-[1958) para su inspiración atisbó al exterior, hacia la sociedad y los conflictos humanos. Quizás esta pueda ser la causa por la que dentro de la postmodernidad haya aparecido el género de la danza-teatro, en el que la aparición de textos en boca de los bailarines crea signos que constituyen pistas de aterrizaje, hacia una rápida y permisible descodificación del mensaje poético, en el cual la ambigüedad puede tener un puesto opcional dentro de la emisión-recepción de la pieza. Shangó que quedó observándola, y sutilmente va desapareciendo y queda instaurada la atmósfera general de Oshún. La danza libre en la historia de la danza moderna se distingue por ser una expresión rebelde y completamente innovadora. Historia Del Ballet Y De La Danza Moderna / The History of Ballet and Modern Dance: Amazon.it: Ana Abab Carles: Libri in altre lingue Este último se constituye a través de “un sistema de instituciones convencionalizadas”: en el caso del mensaje literario es la lengua de un idioma cualquiera; en las artes plásticas será la conjunción de formas (líneas, colores) que expresan una imagen icónica; los sonidos organizados en un lenguaje sonoro constituirán el código musical. El sinécdoque hace uso del fragmento o la parte, para sustituir al todo o viceversa (a tanto por cabeza, tañir el bronce). En las artes plásticas pueden citarse como ejemplos de esas mezclas expresivas algunas imágenes de El jardín de las delicias de El Bosco: el hombre desnudo crucificado en una enorme arpa, como el condenado al infierno por la entrega a los placeres del arte, la imagen del homosexual que coloca flores con sus tallos en la cavidad anal de su compañero, que aparece en posición cuadrúpeda, y su significado podría ser el placer que transforma los genitales de uno en ramo florido que hace penetrar en el otro a manera de búcaro. Antídoto contra la contaminación de lo críptico puede ser “un proceso de pensamiento estético no analítico basado en unidad, claridad, contraste, conflicto y coherencia. El desarrollo plantea una transformación o polaridad de la situación inicial, que a través de los aconteceres ocurridos en sus diez secciones van a revertir una realidad en otra bien distinta. La danza moderna no sería lo que es hoy sin su existencia. En cuanto al trabajo de la voz, resultó ser interesante, ya que uno de los kurogos, trata de dar una explicación al público en una forma extraverbal, usando el sonido onomatopéyico del idioma japonés, con pinceladas de humor a la usanza del coro del teatro griego que nadie entiende, y que a través del gesto logra ubicarlos dentro de la atmósfera de la obra. Primero, fue una coreografía con un estilo de ruptura total con su obra anterior, con lo cual pudo desarrollar un humor reflexivo en su máxima potencia, temática que él se cuestionaba, pero no había encontrado su repercusión escénica. Los Diferentes Tipos de Danza. Aperturas hacia nuevos usos del cuerpo han expandido el lenguaje danzario que, sin rechazar todo lo aportado por el academicismo, las técnicas de la danza contemporánea y el folclor universal y el popular que se crea día a día por la cultura de masas, han ensanchado la recepción danzaria en la mezcla de las más inopinadas tendencias del movimiento danzario en la actualidad. El término danza moderna encierra una variedad de estilos, lenguajes y tendencias individuales que desde sus comienzos, a principios de siglo, ha sufrido una multitud de cambios y rupturas. Editorial Félix Varela, La Habana, 2004. Quizá la más ecléctica ha sido Twyla Tharp (nacida en 1941), quien ha creado una danza a partir de las más variadas formas, como el video experimental, el ballet, el cine y el teatro de Broadway, para su propia compañía y para otros. Ramiro afirma que para un bailarín clásico es tremendo hacer una danza solamente con todas las baterías más virtuosas del ballet, él montó una sección con esas baterías, pero sin coherencia entre unas y otras, sin preparación para pasar de una a otra. Metáforas escénicas aluden a hechos, acciones y acontecimientos vivos en el inconsciente colectivo. A Ernestina Quintana dejaba reír en alta voz, pues él consideraba que ella tenía una risa cristalina y le impregnaba al personaje, a la escena y a la obra un momento de clímax. En definitiva, nada concreto puede existir que no tenga un principio, un crecimiento y un fin. Agrego, por mi parte, que el transcurrir de una obra sobre la excitante cuerda floja de lo peligroso e imprevisto, basado en la sorpresa, es un secreto que no se vende en farmacia. Sus temas la llevan al antagonismo entre los sexos, la necesidad de amor, la impotente falta de comprensión, y las vacuas frases de incomunicación. Esto daba ocasión para que el movimiento tomara unas características ajenas a todo el desarrollo que yo había tenido dentro de mis etapas anteriores, en que estaba ligado a códigos conocidos basados en mis estudios, códigos que después construí, y ahora, en esta tercera etapa estaba, digamos, des construyéndolos, o sea, desbaratándolos para buscar algunos nuevos, o mantenerme en una línea muy ecléctica de empleo de muchos códigos establecidos, de otros más abiertos, y con las posibilidades de siempre mantener un ámbito abierto hacia la improvisación y aleatorismo danzario».[3].

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